Творческие портреты композиторов. Популярный справочник

ОГЛАВЛЕНИЕ

О

ОГИНЬСКИЙ (Oginski) Михал Клеофас (25 IX 1765, Гузув, близ Варшавы - 15
X 1833, Флоренция)
Жизненный путь польского композитора М. Огиньского похож на
увлекательную повесть, изобилующую внезапными поворотами судьбы, теснейшим
образом связанной с трагической судьбой его родины. Имя композитора было
окружено ореолом романтики, еще при жизни о нем возникало множество легенд
(так, он не раз «узнавал» о собственной смерти). Музыка Огиньского, чутко
отразившая настроения времени, многократно усиливала интерес к личности ее
автора. Композитор обладал и литературным талантом, он - автор «Мемуаров о
Польше и поляках», статей о музыке, стихов.
Огиньский рос в высокообразованной дворянской, семье. Его дядя Михал
Казимеж Огиньский - великий гетман Литвы - был музыкантом и поэтом, играл на
нескольких инструментах, сочинял оперы, полонезы, мазурки, песни. Он
усовершенствовал арфу и написал статью об этом инструменте для
«Энциклопедии» Дидро. В его резиденции Слоним (ныне территория Белоруссии),
куда часто приезжал молодой Огиньский, был театр с оперной, балетной и
драматической труппами, оркестр, ставились польские, итальянские,
французские и немецкие оперы. Истинный деятель эпохи Просвещения, Михал
Казимеж организовал школу для местных ребят. Такая обстановка создала
благоприятную почву для развития разносторонних способностей Огиньского. Его
первым музыкальным учителем был тогда еще молодой О. Козловский (служивший у
Огиньских придворным музыкантом), впоследствии выдающийся композитор,
внесший значительный вклад в польскую и русскую музыкальную культуру (автор
знаменитого полонеза «Гром победы, раздавайся»). Игре на скрипке Огиньский
обучался у И. Ярновича, а затем совершенствовался в Италии у Дж. Виотти и П.
Байо.
В 1789 г. начинается политическая деятельность Огиньского, он -
польский посол в Нидерландах (1790), Англии (1791); возвратившись в Варшаву,
занимает пост казначея Литвы (1793-94). Казалось, ничто не омрачает блестяще
начатую карьеру. Но в 1794 г. вспыхивает восстание Т. Костюшко за
восстановление национальной независимости страны (польско-литовское
королевство Речь Посполитая было разделено между Пруссией, Австрией и
Российской империей). Будучи страстным патриотом, Огиньский примыкает к
восставшим и активно участвует в борьбе, а все свое имущество отдает «в дар
родине». Марши и боевые песни, созданные композитором в эти годы, получили
большое распространение и были популярны среди повстанцев. Огиньскому
приписывается песня «Еще Польша не погибла» (ее автор точно не установлен),
которая впоследствии стала национальным гимном.
Поражение восстания вызвало необходимость покинуть родину. В
Константинополе (1796) Огиньский становится активным деятелем в среде
эмигрировавших польских патриотов. Теперь взоры поляков с надеждой
устремлены к Наполеону, который многими воспринимался тогда как «генерал
революции» (Л. Бетховен намеревался посвятить ему «Героическую симфонию»). С
прославлением Наполеона связано возникновение единственной оперы Огиньского
«Зелида и Валькур, или Бонапарт в Каире» (1799). Годы, проведенные в
путешествиях по Европе (Италия, Франция), постепенно ослабляли надежду на
возрождение независимой Польши. Амнистия Александра I (в том числе возврат
имений) позволила композитору приехать в Россию и поселиться в Петербурге
(1802). Но и в новых условиях (с 1802 г. Огиньский был сенатором Российской
империи) его деятельность была направлена на улучшение положения родины.
Активно участвуя в политической жизни, Огиньский не мог много времени
уделять сочинению музыки. Кроме оперы, боевых песен и нескольких романсов
основную часть его небольшого наследия составляют фортепианные пьесы:
польские танцы - полонезы и мазурки, а также марши, менуэты, вальсы.
Особенно прославился Огиньский своими полонезами (более 20). Он перрый стал
трактовать этот жанр не как чисто танцевальный, а скорее как лирическую
поэму, самостоятельную в своем выразительном значении фортепианную пьесу.
Решительный боевой настрой соседствует у Огиньского с образами грусти,
меланхолии, отразившими носящиеся в воздухе того времени сентименталистские,
предромантические настроения. Четкий, упругий ритм полонеза соединяется с
плавными вокальными интонациями романса-элегии. Некоторые полонезы имеют
программные названия: «Прощание, Раздел Польши». Огромной популярностью и по
сей день пользуется полонез «Прощание с родиной» (1831), сразу, с первых же
нот создающий атмосферу доверительного лирического высказывания. Поэтизируя
польский танец, Огиньский открывает путь великому Ф. Шопену. Его
произведения издавались и исполнялись по всей Европе - в Париже и
Петербурге, Лейпциге и Милане, и, конечно, в Варшаве (с 1803 г. выдающийся
польский композитор Ю. Эльснер регулярно включал их в свой ежемесячник -
сборники произведений отечественных композиторов).
Пошатнувшееся здоровье заставило Огиньского покинуть Петербург и
последние 10 лет жизни, провести в Италии, во Флоренции. Так завершилась
богатая разнообразнейшими событиями жизнь композитора, стоявшего у истоков
польского романтизма. /К. Зенкин/
ОНЕГГЕР (Honegger) Артюр (10 III 1892, Гавр - 27 XI 1955, Париж)

Онеггер - большой мастер, один из немногих современных композиторов,
которым свойственно чувство величественного.

Э. Журдан-Моранж

Выдающийся французский композитор А. Онеггер - один из наиболее
прогрессивных художников современности. Вся жизнь этого разностороннего
музыканта и мыслителя была служением любимому искусству. Ему он отдавал свои
разносторонние способности и силы на протяжении почти 40 лет. Начало
творческого пути композитора относится к годам первой мировой войны,
последние произведения написаны в 1952-53 гг. Перу Онеггера принадлежит
свыше 150 сочинений, а также множество критических статей по различным
животрепещущим вопросам современного музыкального искусства. Уроженец Гавра,
Онеггер значительную часть юности провел в Швейцарии, на родине своих
родителей. Музыкой занимался с детства, но не систематически, то в Цюрихе,
то в Гавре. Всерьез он начал учиться композиции в 18 лет в Парижской
консерватории у А. Жедальжа (учителя М. Равеля). Здесь же будущий композитор
знакомится с Д. Мийо, который, по словам Онеггера, оказал на него очень
большое влияние, способствовал формированию его вкусов и интереса к
современной музыке.
Творческий путь композитора был сложным. В начале 20-х гг. он вошел в
творческую группу музыкантов, которую критики назвали «Французской
шестеркой» (по числу ее участников). Пребывание Онеггера в этом содружестве
дало существенный толчок к проявлению в его творчестве идейных и
художественных противоречий. Заметную дань конструктивизму он отдал в своей
оркестровой пьесе «Пасифик 231» (1923). Ее первое исполнение сопровождалось
сенсационным успехом, и произведение получило шумную известность у любителей
всякого рода новинок. «Первоначально я назвал пьесу Симфоническое движение»,
- пишет Онеггер. - «Но... закончив партитуру, я озаглавил ее "Пасифик 231".
Такова марка паровозов, которые должны вести за собой тяжеловесные
составы»... Увлечение Онеггера урбанизмом и конструктивизмом сказывается и в
других сочинениях этого времени: в симфонической картине «Регби» и в
«Симфоническом движении № 3».
Однако, несмотря на творческие связи с «Шестеркой», композитора всегда
отличала самостоятельность художественного мышления, что и определило в
итоге основную линию развития его творчества. Уже в середине 20-х гг.
Онеггер начал создавать свои лучшие произведения, глубоко человечные и
демократичные. Этапным сочинением стала оратория «Царь Давид». Она открыла
длинную цепь его монументальных вокально-оркестровых фресок «Зовы мира,
Юдифь, Антигона, Жанна д'Арк на костре, Пляска мертвых». В этих
произведениях Онеггер самостоятельно и индивидуально преломляет различные
тенденции искусства своего времени, стремится к воплощению высоких этических
идеалов, представляющих вечную общечеловеческую ценность. Отсюда и обращение
к античной, библейской и средневековой тематике.
Лучшие произведения Онеггера обошли крупнейшие эстрады мира, покоряя
слушателей эмоциональной яркостью и свежестью музыкального языка. Композитор
сам активно выступал как дирижер своих произведений в ряде стран Европы и
Америки. В 1928 г. он посетил Ленинград. Здесь установились дружеские и
творческие отношения Онеггера с советскими музыкантами и особенно с Д.
Шостаковичем.
В своем творчестве Онеггер искал не только новые сюжеты и жанры, но и
нового слушателя. «Музыка должна переменить публику и обратиться к массам»,
- утверждал композитор. - «Но для этого ей нужно изменить свой характер,
стать простой, несложной и в крупных жанрах. Людям безразличны
композиторская техника и поиски. Именно такую музыку я пробовал дать в
"Жанне на костре". Я старался быть доступным для рядового слушателя и
интересным для музыканта». Демократические устремления композитора нашли
выражение и в его работе в музыкально-прикладных жанрах. Он много пишет для
кино, радио, драматического театра. Став в 1935 г. членом Народной
музыкальной федерации Франции, Онеггер совместно с другими прогрессивно
настроенными музыкантами вошел в ряды антифашистского Народного фронта. В
эти годы он писал массовые песни, делал обработки народных песен, участвовал
в музыкальном оформлении представлений в стиле массовых празднеств Великой
французской революции. Достойным продолжением деятельности Онеггера явилось
его творчество в трагические годы фашистской оккупации Франции. Участник
движения Сопротивления, он создал тогда ряд произведений глубоко
патриотического содержания. Это Вторая симфония, «Песни освобождения» и
музыка к радиопостановке «Биения мира». Наряду с вокально-ораториальным
творчеством к высшим достижениям композитора принадлежат и его 5 симфоний.
Последние из них написаны под непосредственным впечатлением трагических
событий войны. Повествующие о жгучих проблемах современности, они стали
значительным вкладом в развитие симфонического жанра XX в.
Свое творческое кредо Онеггер раскрыл не только в музыкальном
творчестве, но и в литературных трудах: его перу принадлежат 3
музыкально-публицистические книги. При большом разнообразии тем в
критическом наследии композитора центральное место занимают проблемы
современной музыки, ее общественного значения. В последние годы жизни
композитор получил всемирное признание, был почетным доктором Цюрихского
университета, возглавлял ряд авторитетных международных музыкальных
организаций. /И. Ветлицына/
ОРФ (Orff) Карл (10 VII 1895, Мюнхен - 29 III 1982, там же)

Деятельность Орфа, открывающего новые миры в культуре прошлого, можно
сравнить с работой поэта-переводчика, который спасает ценности культуры от
забвения, лжетолкования, непонимания, пробуждает их от летаргического сна.

О. Леонтьева

На фоне музыкальной жизни XX в. искусство К. Орфа поражает своей
самобытностью. Каждое новое сочинение композитора становилось предметом
споров и дискуссий. Критики, как правило, обвиняли его в откровенном разрыве
с той традицией немецкой музыки, которая исходит от Р. Вагнера к школе А.
Шёнберга. Однако искреннее и всеобщее признание музыки Орфа оказалось лучшим
аргументом в диалоге композитор - критика. Книги о композиторе скупы
биографическими данными. Сам Орф считал, что обстоятельства и подробности
его личной жизни не могут представлять никакого интереса для исследователей,
а человеческие качества автора музыки вообще нисколько не помогают понять
его произведения.
Орф родился в офицерской баварской семье, в которой музыка постоянно
сопровождала жизнь дома. Уроженец Мюнхена, Орф там же учился в Академии
музыкального искусства. Несколько лет затем были отданы дирижерской
деятельности - сначала в мюнхенском театре Kammerspiele, а впоследствии в
драматических театрах Мангейма и Дармштадта. В этот период возникают ранние
произведения композитора, однако они уже пронизаны духом творческого
экспериментаторства, стремлением объединить несколько различных искусств под
эгидой музыки. Орф обретает свой почерк не сразу. Подобно многим молодым
композиторам, он проходит через годы исканий и увлечений: модным тогда
литературным символизмом, произведениями К. Монтеверди, Г. Шютца, И. С.
Баха, удивительным миром лютневой музыки XVI в.
Композитор проявляет неистощимую любознательность буквально ко всем
сторонам современной ему художественной жизни. В кругу его интересов
оказываются драматические театры и балетные студни, разноликий музыкальный
быт, старинный баварский фольклор и национальный инструментарий народов Азии
и Африки.
Подлинный успех и признание принесла Орфу премьера сценической кантаты
«Кармина Бурана» (1937), ставшей впоследствии первой частью триптиха
«Триумфы». В основу этого сочинения для хора, солистов, танцоров и оркестра
были положены стихи к песни из сборника бытовой немецкой лирики XIII в.
Начиная с этой кантаты Орф настойчиво разрабатывает новый синтетический тип
музыкально-сценического действа, сочетающего в себе элементы оратории, оперы
и балета, драматического театра и средневековой мистерии, уличных
карнавальных представлений и итальянской комедии масок. Именно так решены и
следующие части триптиха «Катулли кармина» (1942) и «Триумф Афродиты»
(1950-51).
Жанр сценической кантаты стал этапом на пути композитора к созданию
новаторских по своей театральной форме и музыкальному языку опер «Луна» (по
сказкам братьев Гримм, 1937-38) и «Умница» (1941-42, сатира на диктаторский
режим «третьего рейха»). Во время второй мировой войны Орф, подобно
большинству немецких художников, отошел от участия в общественной и
культурной жизни страны. Своеобразной реакцией на трагические события войны
стала опера «Бернауэрин» (1943-45). К вершинам музыкально-драматического
творчества композитора также принадлежат: «Антигона» (1947-49), «Царь Эдип»
(1957-59), «Прометей» (1963-65), образующие своеобразную античную трилогию,
и «Мистерия конца времени» (1972). Последним сочинением Орфа явились «Пьесы»
для чтеца, говорящего хора и ударных на стихи Б. Брехта (1975).
Особый образный мир музыки Орфа, его обращение к античным, сказочным
сюжетам, архаике - все это было не только проявлением
художественно-эстетических тенденций времени. Движение «назад к предкам»
свидетельствует прежде всего о высоко-гуманистических идеалах композитора.
Своей целью Орф считал создание универсального театра, понятного всем во
всех странах. «Поэтому», - подчеркивал композитор, - «и темы я выбирал
вечные, понятные во всех частях света... Я хочу проникнуть глубже, заново
обнаружить те вечные истины искусства, которые сейчас забыты».
Музыкально-сценические сочинения композитора образуют в своем единстве
«Театр Орфа» - самобытнейшее явление в музыкальной культуре XX в. «Это
тотальный театр», - писал Э. Дофлейн. - «В нем особым образом выражается
единство истории европейского театра - от греков, от Теренция, от драмы
барокко вплоть до оперы новейшего времени». К решению каждого произведения
Орф подходил совершенно своеобразно, не стесняя себя ни жанровыми, ни
стилистическими традициями. Поразительная творческая свобода Орфа
обусловлена прежде всего масштабами его таланта и высочайшим уровнем
композиторской техники. В музыке своих сочинений композитор добивается
предельной выразительности, казалось бы, самыми простыми средствами. И
только пристальное изучение его партитур обнаруживает, как необычна, сложна,
изысканна и вместе с тем совершенна технология этой простоты.
Орф внес неоценимый вклад в область детского музыкального воспитания.
Уже в молодые годы, в период основания им в Мюнхене школы гимнастики, музыки
и танца Орф был одержим идеей создания педагогической системы. В основе ее
творческого метода - импровизация, свободное музицирование детей в сочетании
с элементами пластики, хореографии, театра. «Кем бы ни стал в дальнейшем
ребенок», - говорил Орф, - «задача педагогов воспитывать в нем творческое
начало, творческое мышление... Привитые желание и умение творить скажутся в
любой сфере будущей деятельности ребенка». Созданный Орфом в 1962 г.
Институт музыкального воспитания в Зальцбурге стал крупнейшим
интернациональным центром подготовки музыкальных воспитателей для дошкольных
учреждений и общеобразовательных школ.
Выдающиеся заслуги Орфа в области музыкального искусства снискали
всемирное признание. Он был избран членом Баварской академии искусств
(1950), академии Санта-Чечилия в Риме (1957) и других авторитетных
музыкальных организаций мира. В последние годы жизни (1975-81) композитор
был занят работой по подготовке восьмитомного издания материалов его
собственного архива. /И. Ветлицына/
ОФФЕНБАХ (Offenbach; наст. фам. Эбершт, Eberscht) Жак (Якоб) (20 IV
1819, Кёльн - 5 X 1880, Париж)
«Оффенбах был - как ни громко это звучит - одним из одареннейших
композиторов XIX века», - писал И. Соллертинский. - «Только работал совсем в
ином жанре, нежели Шуман или Мендельсон, Вагнер или Брамс. Это был блестящий
музыкальный фельетонист, сатирик-буфф, импровизатор»... Он создал 6 опер,
ряд романсов и вокальных ансамблей, но основной жанр его творчества -
оперетта (ок. 100). Среди оперетт Оффенбаха по своей значимости выделяются
«Орфей в аду, Прекрасная Елена, Парижская жизнь, Герцогиня Герольштейнская,
Перикола» и др. Став во Франции родоначальником жанра, казалось бы
предназначенного главным образом для развлечения, Оффенбах вносит в оперетту
социальную остроту, нередко превращая ее в пародию на жизнь современной ему
Второй империи, обличая цинизм и разврат общества, «лихорадочно пляшущего на
вулкане», в момент неудержимо стремительного движения к Седанской
катастрофе. ...»Благодаря универсальному сатирическому размаху, широте
гротескно-обличительных обобщений», - отмечал И. Соллертинский, - «Оффенбах
выходит из рядов опереточных композиторов - Эрве, Лекока, Иоганна Штрауса,
Легара - и приближается к фаланге великих сатириков - Аристофана, Рабле,
Свифта, Вольтера, Домье и др».
Музыка Оффенбаха, неистощимая по мелодической щедрости и ритмической
изобретательности, отмеченная большим индивидуальным своеобразием, опирается
в первую очередь на французский городской фольклор, практику парижских
шансонье, популярные в то время танцы, особенно галоп и кадриль. Она впитала
прекрасные художественные традиции: остроумие и блеск Дж. Россини, огневой
темперамент К. М. Вебера, лиризм А. Буальдье и Ф. Герольда, пикантные ритмы
Ф. Обера. Композитор непосредственно развил достижения своего
соотечественника и современника - одного из создателей французской
классической оперетты Ф. Эрве. Но более всего по легкости и изяществу
Оффенбах перекликается с В. А. Моцартом, недаром его называли «Моцарт
Елисейских полей».
Ж. Оффенбах родился в семье кантора синагоги. Обладая исключительными
музыкальными способностями, к 7 годам он с помощью отца овладел игрой на
скрипке, к 10 - самостоятельно выучился игре на виолончели, а к 12 стал
выступать в концертах как виолончелист-виртуоз и композитор. В 1833 г.,
переехав в Париж - город, ставший его второй родиной, где он прожил
практически всю жизнь, - юный музыкант поступил в консерваторию в класс Ф.
Галеви. В первые годы после окончания консерватории работал виолончелистом в
оркестре театра Opera Comique, выступал в увеселительных заведениях и
салонах, писал театральную и эстрадную музыку. Бурно концертируя в Париже,
он к тому же длительно гастролировал в Лондоне (1844) и Кёльне (1840 и 1843
гг.), где в одном из концертов в знак особого признания дарования молодого
исполнителя ему аккомпанировал Ф. Лист. С 1850 по 1855 гг. Оффенбах работал
штатным композитором и дирижером в Theatre Francais, сочиняя музыку к
трагедиям П. Корнеля и Ж. Расина.
В 1855 г. Оффенбах открывает собственный театр Bouffes Parisiens, в
котором работает не только как композитор, но и как антрепренер,
режиссер-постановщик, дирижер, соавтор либреттистов. Как и его современники,
известные французские художники-карикатуристы О. Домье и П. Гаварни,
комедиограф Э. Лабиш, Оффенбах насыщает свои спектакли тонким и язвительным
остроумием, а подчас и сарказмом. Композитор привлекает близких по духу
писателей-либреттистов А. Мельяка и Л. Галеви - подлинных соавторов его
спектаклей. И маленький, скромный театрик на Елисейских полях постепенно
становится любимым местом собрания парижской публики. Первый грандиозный
успех завоевала оперетта «Орфей в аду», поставленная в 1858 г. и выдержавшая
подряд 288 представлений. Эта хлесткая пародия на академическую античность,
в которой боги спускаются с Олимпа и отплясывают бешеный канкан, содержала
явный намек на устройство современного общества и современные нравы.
Дальнейшие музыкально-сценические произведения - на какой бы сюжет они ни
писались (античность и образы популярных сказок, средневековье и перуанская
экзотика, события французской истории XVIII в. и быт современников) -
неизменно отражают современные нравы в пародийном, комическом или в
лирическом ключе.
Вслед за «Орфеем» ставятся «Женевьева Брабантская» (1859), «Песнь
Фортунио» (1861), «Прекрасная Елена» (1864), «Синяя Борода» (1866),
«Парижская жизнь» (1866), «Герцогиня Герольштейнская» (1867), «Перикола»
(1868), «Разбойники» (1869). Слава Оффенбаха распространяется за пределами
Франции. Его оперетты ставят за границей, особенно часто в Вене и
Петербурге. В 1861 г. он устраняется от руководства театром, чтобы иметь
возможность постоянно выезжать на гастроли. Зенит его славы - Парижская
Всемирная выставка 1867 г., где исполняется «Парижская жизнь», собравшая в
партере театра Bouffes Parisiens королей Португалии, Швеции, Норвегии,
вице-короля Египта, принца Уэльского и русского царя Александра II.
Франко-прусская война прерывает блестящую карьеру Оффенбаха. Его оперетты
сходят со сцены. В 1875г. он вынужден объявить себя банкротом. В 1876 г.,
чтобы материально поддержать семью, он выезжает на гастроли в США, где
дирижирует садовыми концертами. В год Второй Всемирной выставки (1878)
Оффенбах почти забыт. Успех двух его поздних оперетт «Мадам Фавар» (1878) и
«Дочь тамбур-мажора» (1879) несколько скрашивает положение, но славу
Оффенбаха окончательно затмевают оперетты молодого французского композитора
Ш. Лекока. Пораженный болезнью сердца, Оффенбах работает над произведением,
которое считает делом всей своей жизни, - лирико-комической оперой «Сказки
Гофмана». В ней находит отражение романтическая тема о недостижимости
идеала, о призрачности земного существования. Но композитор не дожил до ее
премьеры, она была закончена и поставлена Э. Гиро в 1881 г. /И. Немировская/

Обратно в раздел культурология